Кожа рук очень сухая. Что делать??

[Mariskas]

Девочки, привет! Уже не знаю, что делать… У меня нормальный тип кожи, никогда никаких проблем не было, а с приходом этой зимы на руки стало больно смотреть! Может, это старость так быстро подкралась, а я и не заметила)? В общем, дело в том, что кожа рук у меня постоянно сохнет. Только помажу кремом, как через полчаса все опять стянуто. Это просто невозможно. Не то что дома, уже даже на работе стоит баночка крема. Но ведь долго так продолжаться не может! Сколько мне еще терпеть?
У кого такая же проблема? Как вы ее решаете?

@темы: Женщины

---

ТонкаяКраснаяНить, 4-е Апреля, Nervы, Want you Now / 11.02, клуб HLEB

[M.a.d. Slip]

Radar Production и M.a.d. PRomo agency представляют самое долгожданное рок-событие нового года. Его ждали миллионы людей, и вот оно наступило! 11 февраля, уникальная в своём роде группа ТонкаяКраснаяНить приедет специально для вас в Москву с презентацией своего нового альбома "Второе-Я" и большим концертом в клубе HLEB!

В этот вечер для вас зажжет также популярная группа с изумительным вокалом 4-е Апреля, которая представит публика свой новый клип! Помимо этого для вас выступят со своими сетами группы: NERVЫ и Want you NOW!

Встреча Вконтакте: vk.com/radar_festival

Итак, 11 февраля, клуб HLEB:

★ТонкаяКраснаяНить ★ (Презентация альбома "Второе-Я"!)
vk.com/tkn_official

★4-е Апреля ★ (Презентация нового клипа!)
vk.com/fouraprils

★Группа NERVЫ ★
vkontakte.ru/nervrock

★Группа Want you NOW ★
vkontakte.ru/wantyounowband

Вход: Предпродажа - 400р. / В день концерта - 500р.
Адрес клуба: м. 1905 года, Звенигородское шоссе, д. 11
Начало: 19:00

---

Хулиган земли Липецкой

[Tory Dark]

Это художник Юрий Татьянин, который не боится экспериментировать, быть ярким и необычным, а подчас странноватым и смешным в своих работах, порой приправленных изрядной долей сарказма.
Все эти тети и дяди, коты и зайцы, русалки и веселые санитары с фирменными «зубастыми» улыбками – отражение нашей с вами жизни. Такой же зубастой, напоминающей полный бардак, временами нелепой и циничной. Но при этом не без юмора, только вот кто кому улыбается – мы жизни или она нам, – зависит от ситуации.

Говорят, что работы Татьянина поначалу трудно воспринимать всерьез, особенно зрителю неподготовленному. Помню открытие его персональной выставки «48/48» в Музее народного творчества. Представьте: входит человек в зал, а там на него армия деревянных котов, ощеривших зубы, надвигается, медленно и неотвратимо приближая «встречу с прекрасным». По бокам стоят старые чемоданы, расписанные мертвыми зайцами и непонятными личностями. А на стенах – милиционеры (тогда они еще не были господами полицейскими) и какие-то граждане, выкрикивающие лозунги. И человек судорожно пытается отыскать серьезное в этих персонажах. Ну хоть что-то, иначе получится разрыв шаблонов: раз сделали персональную выставку (а в послужном списке Юрия около 20 экспозиций в разных городах России плюс присутствие в фондах питерского музея современного искусства "Эрарта"), значит, предметы высокой художественной ценности, и необходимо ее, эту ценность, непременно увидеть. И вглядываются, растерянно моргая, не понимая, что же особенного в грубоватых фигурах, словно нарисованных детской рукой?

все фото можно просмотреть в увеличенном размере

Не стоит так напрягаться. Относитесь к этим ярким и немного хулиганским работам с некоей долей иронии. И тогда они сами поведают и про свою ценность, и про злободневность, да еще и с вами параллель проведут.

– Можно сказать, что и деревянный кот, и мертвый заяц, и небритый милиционер – все это я. Я рисую свою жизнь, только для человека незнакомого ее события не всегда угадываются, – замечает Юрий. – Зато он в ком-то увидит себя.

Недаром утверждают, что художник – зеркало общества. Творчество «интуитивного неопримитивиста» Татьянина – острое, плакатное, с яркими красками и запоминающимися образами, которые, кстати, прилипли к нему намертво.



– В девяностых про меня говорили: «Тот, кто рисует котов и санитаров». Потом была собака Ё, от которой я тоже долго не мог отделаться, затем – зайцы и милиционеры. Когда начал рисовать, сразу решил: делать «чтобы было похоже» не стану, скучно. Так и появились мои герои.

На открытие выставки попали немецкие ребята, приехавшие в одну из липецких школ по обмену. Особый интерес у общительных подростков вызвал старый советский чемодан, на котором красовались ушасто-зубастые подопечные деда Мазая. И немки, и их российские сверстницы с удовольствием позировали фотографам с раскрашенными фетровыми монстрами в руках. Кто знает, возможно, через несколько лет Татьянин прославится не только зайцами и котами, но и дизайнерскими чемоданами, которые и я не удержалась "примерить к руке"?

Текст опубликован тут.
Фоторепортаж: Павел Остряков.

Вопрос: Интересно?

1. Да		21	(100%)
Всего:		21

@темы: современное искусство

---

Искусство твоей свободы

[Neboskreb]

ART of Freedom
Искусство твоей свободы!

Приглашаем на встречи-занятия:
- Нарисуй свою проблему!
- Креативный путь к осуществлению мечты! Создаем коллаж желаний!
- Выброс эмоций и рисование руками!
- Сделай! Игрушки своими руками.
- Валяние из шерсти.

Ты устал? Хочешь расслабиться и отдохнуть? Или ты хочешь научиться чему-то новому, хочешь научиться выражать себя в творчестве и просто провести время в хорошей компании за чашкой чая, а в итоге еще и своими руками создав что-то креативное?
А может быть ты хочешь попытаться решить свою проблему необычным путем? Мы поможем! Рисование с закрытыми глазами, рисование руками, специальные спортивные упражнения и медитации помогут тебе в этом.
А еще творческие вечера, где ты сможешь реализовать себя и найти новых друзей.

Присоединяйся к нам!
Творчество помогает нам найти себя, найти что-то в себе. Ты научишься делать прекрасные вещи и ни у кого больше не будет таких. Ты научишься расслабляться и находить пути выхода из сложных ситуаций с помощью специальных упражнений. А еще ты обязательно найдешь новых друзей и хорошо проведешь время!

@темы: Девичье, Отдых

---

зарождение современного искусства? дизайна? поразмышляем?

[positive culture]

А вы знаете, мы сейчас говорим о современном искусстве, учитывая наш век. А ведь можно сказать, что в каждый период было современное искусство свое. И если подумать, то можно считать Великую выставку промышленных работ всех народов в 1851 году выставкой современного искусства.
Для выставочного центра специально построили Хрустальный дворец из железа и стекла, что на тот момент было нонсенсом. Здание поражало своим размером, в нем одновременно могло поместиться 14 000 человек. С него начались подобные постройки позже. Хрустальный дворец можно считать главным экспонатом выставки. И по форме, и по примененным в его сооружении материалам здание было новаторским.

В залах были представлены прогрессивные на тот момент экспонаты из разных областей, это были: промышленные товары, различные изделия ремесла, машины, производственные методы, а также полезные ископаемые и работы изобразительного искусства. Внимание посетителей лондонской выставки 1851 г. привлекали прежде всего новинки техники, среди них посетители увидели такие изобретения, как прототип факс-машины, модели мостов и паровозов, гидравлические прессы и макет Суэцкого канала, электрический телеграф Сименса, паровой молот Круппа, новейшие прядильные и ткацкие станки, телескопы и дагерротипы и др.
Конечно же, вокруг выставки стоял большой ажиотаж, ее посетило около 6 миллионов человек.
Это событие стало вехой в истории промышленной революции. Это важное событие дало многим толчок на дальнейшее развитие своего потенциала в свежем ключе. После этой выставки последовали другие подобные выставки по всему миру.
Постепенно зарождался промышленный дизайн. В каждой стране повсеместно открывалось и создавалось что-то новое. Теперь вряд ли кто-то может ответить, где же зародился дизайн? Многие сходятся во мнении, что родоначальниками современного дизайна считается школа Баухауз, да они много сделали для этого. Некоторые считают, что дизайн зародился во Франции. Лотрек? Кто-то склоняется, что Англия всех опередила. Но может все же считать этот процесс глобальным, мировым? Все молодцы, все постарались! Как вы считаете? А если б не было конкуренции, желания быть лучшими, первыми, происходили бы изменения так стремительно? И если есть желающие поспорить о первопроходцах, то попробуйте обосновать свои ответы на следующие вопросы: Кто по вашему мнению заложил основы дизайна? Где зародилось понятие дизайна?
Между современным искусством и дизайном получается тонкая грань. Дизайн отличается от современного искусства тем, что его можно применить на практике, а в искусстве мы можем прочесть теоретическое обоснование устройства этого мира.

@темы: дизайн, современное искусство

---

Наивность многоцветья Нади Каламеец

[Marlek]

Наивность многоцветья

Надя Каламеец, киевская художница, во многом похожа на свои работы: шарф цвета радуги, красные волосы, теплая улыбка и веселое расположение духа. Точно так же, глядя на ее рисунки, кажется, что мир на самом деле светлее и богаче красками, чем есть на самом деле. "Я сама не знаю, как назвать свой стиль. Мои знакомые журналистка и художница на самом деле говорят, что мои работы довольно наивны, - смеется Надя на мой вопрос о названии стиля ее работ. - Что-то вроде наивного примитивизма. Львовские издатели тоже говорили о наивности моих рисунков".

По образованию Надя психолог, закончила Киевский Педагогический университет имени Драгоманова. Рисовать училась сама, не считая года изостудии в третьем классе, где научилась рисовать карандашами и ручками. "Красками я просто в 16 лет села и начала рисовать от душевного порыва, - снова смеется Надя. Она много смеется и всегда рада ответить на вопросы о своем творчестве. - Правда, изостудия помогла мне на рисовальном пути, дала мне понимание того, что вещи отбрасывают тени, и что на самом деле с цветом нужно играться, смело мешать, экспериментировать".

Надя также признается, что первый рисунок ей приснился в 16 лет. "Во сне я почувствовала тёплый ветер, циркулирующий вокруг меня, по ветру развивались мои волосы, - вспоминает художница. - Смотрю - а у меня в руках чашка пол литровая чаю, и там внутри плавают осенние листья. Больше всего вдохновило настроение сна. Я проснулась, взяла краски и просто нарисовала её. Она мне и сейчас нравится, хотя сейчас я бы нарисовала неё немножко по-другому."

Вдохновение - отдельный разговор для каждого художника. "В моей голове постоянно происходит какое-то движение, сказки, образы, картинки, оно реагирует на всё, что происходит в реальном мире, - легко делится Надя. - И любое какое-то событие или брошенная кем-то фраза, или сон, или просто увиденная картина, красивое небо, всё, что угодно может стать источником вдохновения. Чаще всего это моя собственная идея, которая возникает внезапно - и сразу перед глазами на тему этой идеи я вижу уже картину. Остаётся только нарисовать!"

Что же касается любимых художников, достойных уважения, то Надя, не раздумывая, упоминает Евгению Гапчинскую, Оксану Шапкарину, а также таких мэтров как Владислав Ерко и, конечно же, Сальвадор Дали. В список также входит один поразительный, по словам самой художницы, корейский иллюстратор Kim Minji.

Не так давно Надя Каламеец вместе с автором Ратха Тумо, режиссёром передачи "Брама Часу" ("Врата времени") на телеканале Интер, самостоятельно опубликовала книгу "Легенды Андромеды. Для тех, кто любит жизнь".
Вторую книгу, которую иллюстрировала художница, напечатает киевское издательство "Грани-Т", название книги "Мій тато - інопланетянин" ("Мой папа - инопланетянин"), выйдет она весной.
Третья - книга Львовского издательства "Видавництво Старого Лева" ("Издательство Старого Льва") под названием "Шоколадні вірші про кохання"("Шоколадные стихи о любви"). Скоро должна состояться её презентация. Это будет подарочное издание ко Дню Святого Валентина с картинами и стихотворениями о любви различных писателей.

Надя делится, что она мечтала именно иллюстрировать книги, и только ступила на стезю иллюстратора, а также хочет и дальше развиваться в этом направлении. Но она еще планирует просто рисовать картины, делать выставки и арт-проекты. "А ещё в планах начать рисовать мультфильмы", - по секрету говорит мне художница, и мне кажется, что все у нее получится.
Ведь мечты должны сбываться, поэтому они и называются мечтами.

Смотреть еще

Страница автора на deviantart

Вопрос: Интересно?

1. Да		68	(100%)
Всего:		68

@темы: современное искусство

---

Дебютный альбом THE HOBBEATS – «Музыка для хорошей вечеринки» в сети!

[M.a.d. Slip]

Дебютный альбом funk-punk группы THE HOBBEATS –«Музыка для хорошей вечеринки» уже в сети. The Hobbeats это острый зажигательный коктейль из веселого драйвового саунда и отвязных текстов, ведь это по-настоящему – Музыка для хорошей вечеринки!

Прослушать, скачать релиз и сказать спасибо вы можете пройдя по этой ссылке: thankyou.ru/music/alternative/the_hobbeats/albu...

THE HOBBEATS Вконтакте: vkontakte.ru/thehobbeats

---

Самурай

[~Синги Икари~]

В руке сжимая крепко меч,
Он забывает обо всём.
На первом месте долг и честь
И с этой мыслью мы умрём.

Ярость и верность в двух словах,
Создали имя для него.
Шаг в сторону или назад,
Нарушит воинское слово.

Жить каждым вздохом,чтить устав.
Достичь гармонии в природе.
Великим стать в чьих-то сердцах
И защищать то,что дороже.

Он повидал не мало битв,
Они меняли взгляд и разум.
И уходил,чтобы прийти
Туда,где не было войны ни разу.

Быть может телом он и слаб,
Но дух его не сокрушим.
Ему неведом боль и страх,
Ведь потерял всё,что любил.

Пройдут недели,может годы,
А он всё так же,как тогда,
Стоит под сакурой цветущей,
Мечтая о покое,без кровавого клинка.

---

[Lucky 38]

«Итак, когда туфли не жмут, о ногах забывают: когда пояс не жмет, о животе забывают; и когда сердце истинно, о "за" и "против" забывают".
Помните, это — одна из самых величайших мантр: "Когда туфли не жмут, о ногах забывают".
Когда вы здоровы, вы ничего не знаете о своем теле, тело забывается. Когда есть какая-нибудь болезнь, тогда только вы не можете забыть о теле. Знаете ли вы о том, что есть какая-то голова без головной боли? Когда есть головная боль. вы не можете забыть о голове. Когда туфли жмут, тогда они неудобны. Когда у вас нет никакой головной боли. где тогда голова? Вы полностью о ней забываете. Все, что здорово, забывается, но все, что болеет, помнится, — оно становится постоянной нотой в уме, постоянным напряжением ума.
Совершенный человек Дао не знает себя; вы знаете, так как вы больны. Это — это болезнь, субстанционная болезнь, так как вы полностью должны помнить, что вы — кто-то. Это показывает, что вы в глубоком беспокойстве (бес-покой — болезнь). Болезнь творит эго, а совершенно здоровое естественное существо все забывает полностью. Такой человек подобен облаку, ветерку, скале, дереву, птице, но никогда неподобен человеку. Его нет, так как только о болезни, как о ране. нужно помнить.
Воспоминание — это механизм для обеспечения безопасности: если в вашей ноге колючка, вы должны это помнить. Ум будет возвращаться к этому постоянно, так как колючку нужно вытащить. Если вы о ней забудете, колючка останется, а это опасно, потому что она может отравить все тело. Когда есть головная боль, тело говорит: помни о ней, нужно что-то сделать. Если вы забудете о ней. головная боль может стать опасной. Когда есть какая-то болезнь, тело говорит вам: что-то не так, оно привлекает ваше внимание.
Но когда тело здорово, вы о нем забываете; вы становитесь бестелесным, если тело здорово. И это единственное определение здоровья: здоровье — это когда тело не осознается. Если существует даже малейшее осознание тела, тогда осознаваемая часть не здорова.
Это же приложимо и к уму: когда ваше сознание здорово, эго не существует, — вы ничего о себе не знаете. Вы не напоминаете себе, что "я — что-то", вы просто расслабляетесь. Вы есть, но "я" нет. Это просто бытийность, но нет "я", нет кристаллизованного эго, нет "самости".
"Итак, когда туфли не жмут, о ногах забывают; когда пояс не жмет, о животе забывают; когда сердце истинно, забывают о "за" и "против".
Это одна из глубочайших вещей, которую нужно помнить. Когда сердце истинно, все "за" и "против" забыты. Когда сердце неистинно, больно, тогда вы будете постоянно оставаться отягощенными, беспокойными: это правильно, а то — неправильно, и правильному нужно следовать, неправильного нужно избегать. Вся жизнь становится борьбой: как избежать неправильного и как достичь правильного. Но это — не путь достичь правильного! Это — путь утратить его навсегда.
Смотрите... в вас есть гнев, секс, алчность. Если вы говорите, что гнев плох, тогда всю жизнь вы проведете в состоянии гнева. Иногда вы будете гневаться, а иногда вы будете гневаться из-за своего гнева, — только в этом и будет разница. Иногда вы будете гневаться, а когда гнев уйдет, вы будете гневаться из-за гнева. Вы называете это раскаянием. И тогда вы решите больше никогда не гневаться, но вы вновь разгневаетесь, потому что оба состояния — это гнев. Иногда вы гневаетесь на кого-то, иногда на себя за то, что гневаетесь.
Если вы против секса и говорите, что он плох, — как говорит весь мир, — тогда вы будете сексуальны, и после того, как сексуальность пройдет, вы почувствуете себя виноватым. В этой вине вы будете размышлять и думать о сексе снова и снова, это станет состоянием ума. Так что иногда вы будете физически сексуальными, а иногда умственно-сексуальными, то есть иногда сексуальными в теле, а иногда сексуальными в уме. Как только вы сотворили различие, как только вы сотворили конфликт, вы будете разделены.
Однажды я был у муллы Насреддина. К нему пришла прекрасная вдова повидаться с ним и спросить у него совета. Она сказала: "Я в беде, и вы должны мне помочь. Я люблю очень красивого человека, он моложе меня, но очень беден, а один старик, очень богатый и страшно уродливый, любит меня. Что делать? За кого мне выходить замуж?"
Мулла Насреддин закрыл глаза, подумал и сказал: "Выйди замуж за богача и будь добра к бедняку".
Вот как возникают все конфликты, вот как вы выбираете обе крайности. Тогда вы становитесь разделенными. Когда вы говорите, что это правильно, а то нет, вы уже разделены, и вся ваша жизнь будет конфликтом, — вы будете двигаться от одной крайности к другой, как маятник.
Не будьте против чего бы то ни было. Почему? Потому что когда вы против чего-то, это означает, что глубоко внутри вы "за", иначе зачем быть против этого? Человек, который глубоко внутри не гневается, не будет против гнева. К чему ему это? Человек, который не алчен глубоко внутри, не будет против алчности. Зачем ему быть против нее? Для него нет проблем, нет выбора, он не делает никаких различий.
Помните: это алчные люди всегда против алчности, сексуальные люди против секса, гневливые — против гнева, жестокие — против жестокости. Тогда что же они делают? Они создают противоположную цель.
Если вы жестоки, целью станет нежестокость. А как жестокий человек становится нежестоким? Что он делает? Есть только одна возможность: он будет жестоким по отношению к себе, вот и все. Что еще он может сделать? Жестокий человек... как он может быть нежестоким? Гневливый человек... как он может быть негневливым?
И если гневливый человек культивирует негневливость, в его негневливости будет также гнев, так как вы не можете культивировать что-либо без вхождения в это вас: гнев войдет в негневливость, жестокость войдет в нежестокость.
Если вы посмотрите вокруг, если вы правильно наблюдаете, вы не сможете найти более жестоких людей, чем те. кто сделал нежестокость своей целью. И вы не сможете найти более сексуальных, извращенных людей, чем те, кто сделал брахмачарью, безбрачие своей целью.
Чжуан-цзы говорит: не делайте различий, иначе вы станете разделенными. Как только вы разделены, вас двое, вы расщеплены. Расщепленный человек не может быть естественным. Природа существует как единство, она — глубокая гармония, в ней вообще нет конфликтов. Природа принимает все: нет выбора, это — безвыборное позволение. Не выбирайте. И это чудо: если вы не выбираете быть против гнева, тогда, когда гнев приходит, вы просто гневаетесь. Не выбирайте против гнева. Когда гнев приходит, просто гневайтесь, а когда он уходит, дайте ему уйти.
Не раскаивайтесь, не давайте ему продолжаться в вашем уме, не давайте ему длительности, не будьте против него. Когда гнев приходит, он приходит. Что вы можете поделать? Когда он не приходит, то не приходит. У вас нет выбора.
Тогда происходит чудо: без выбора вы становитесь настолько бдительным, что ваша энергия больше не разделена, а когда энергия неделима, она столь сильна, столь велика, что гнев становится невозможным, так как гнев — это часть слабости. Помните об этом... чем вы слабее, тем более гневливы; чем вы сильнее, тем менее гневливы.
Если вы абсолютно сильны, тогда гнева не будет. Помните об этом... чем вы слабее, тем более алчны, — действительно, слабый должен быть алчным, чтобы защищать себя, и чем вы сильнее, тем менее алчны.
Когда энергия в вас тотальна, неделима, не расщеплена, тогда вы — единство. Алчность исчезает, так как алчность принадлежит слабому уму, расщепленному уму. а когда вы расщеплены, будет гнев, и вы будете бороться против него, и будет создаваться еще большее расщепление, и еще больше энергии будет рассеиваться, и вы станете наполнены внутренним беспорядком, анархией, и нигде ни одной гармоничной ноты — все будет не в лад.
И чем больше вы будете делать усилий все это гармонизировать, тем более будет беды, так как вы утратили первый шаг и будете утрачивать до самого последнего.
Первый шаг в том, что когда сердце истинно, "за" и "против" забыты. Так что же делать? Забыть "за" и "против" и дать сердцу успокоиться. Одно определенно: вы боретесь против гнева столь долгое время, но по-прежнему гневливы, — так попробуйте способ Чжуан-цзы. Вы ничего не потеряете.
Вы пытались быть несексуальными — и остались сексуальны, даже наоборот: вы стали более извращены, секс стал более ядовитым. Так попробуйте способ Чжуан-цзы, — вы ничего не потеряете.
Будьте сексуальны, когда приходит секс. Так же, как если приходит голод, вы едите пищу, так и тогда, когда приходит секс, будьте сексуальны, не делайте никакого выбора, не говорите, что он плох или хорош, примите его, это часть природы. И внезапно придет момент, когда вы будете в Единстве и секс автоматически трансформируется в любовь, потому что человек, который находится в единстве... Постарайтесь понять, что означает это единство. Каждый мужчина и каждая женщина бисексуальны, каждый мужчина это сразу и мужчина и женщина внутри. Никто не является просто мужчиной или женщиной, они не могут быть такими, так как один родитель всегда был мужчиной, а другой — женщиной, и вы несете в себе обоих, половину и половину. В вас половина вашей матери и половина вашего отца, так что вы сразу и мужчина и женщина — половина и половина.
Это глубокое расщепление, и если вы создаете больше расщепления, то расщепление будет расшириться больше и больше. Отбросьте все расщепления, не творите никакой борьбы, не выбирайте. Будьте разгневаны — и примите это; будьте сексуальны — и примите это; будьте алчны — и примите это. Что еще вы можете сделать? Природа даст все это вам, так примите это со всеми последствиями.
Если вы гневаетесь, тогда кто-то еще будет гневаться — примите гнев и последствия. Тогда ваше расщепление отбрасывается и тогда вновь и вновь ваша внутренняя бисексуальность становится гармонией, творит круг, происходит внутренний оргазм, — внутри встречаются ваше мужское и женское начала. А когда они внутри встречаются, вы стали едины, — теперь родилось новое существо.
Это единство имеет своей тенью любовь. Вы не можете любить, ваша любовь — фасад, ложь, ваша любовь — просто трюк, ваша любовь лишь для того, чтобы получить секс. Вот почему, когда вы добиваетесь секса, любовь исчезает. Как только вы имеете половое сношение с женщиной или мужчиной, любовь исчезает. Энергия появится вновь через 24 часа, вы накопите энергию, и тогда снова будет секс — вы снова станете любящим.
Итак, любовь — просто средство получить секс, вот почему вы не можете любить вашу собственную жену или вашего мужа, — это очень трудно. Как вы можете любить? Нужда исчезла. Любовь — это просто ухаживание, просто прелюдия, чтобы склонить другого к сексу. Жене или мужу не нужно никакого склонения, — они получены в дар. Муж может требовать, жена может требовать — нет никакой нужды склонять. И поэтому любовь исчезает! Нет никакой нужды ухаживать. Почти невозможно увидеть, как жена любит мужа, как муж любит жену. Они могут только претендовать, и такая претензия становится тяжелой вещью для каждого. Претендующая любовь!
Тогда вы чувствуете, что ваша жизнь бессмысленна. Вот почему, когда люди вступают во внебрачные связи, это дает им вновь немного энергии и немного чувства любви, так как за новым человеком вы должны снова ухаживать, вы не можете взять другого в дар, — вы должны его склонить. До того, как вы расслабитесь, будет необходимо склонение.
Ваша любовь — просто склонение. Она не может быть иной, так как любовь происходит только тогда, когда вы стали единством, и не ранее.
Слово "секс" прекрасно. Оригинальный корень слова "секс" означает "разделение", секс означает разделение. Если вы разделены внутри, тогда там будет секс. Когда вы страстно желаете женщину или мужчину, что происходит? Одна ваша часть страстно желает встретить другую часть, но вы пытаетесь встретить другого снаружи. Вы можете встретиться на единый миг, но вы вновь будете одиноки, так как снаружи не может быть вечной встречи. Секс должен быть лишь моментальным, так как другой — это другой.
Если вы встречаете свою внутреннюю женщину или мужчину внутри, тогда встреча может быть вечной. И когда все разделения утрачены, эта встреча происходит. Это алхимическая трансформация: ваши женщина и мужчина встречаются внутри — и вы становитесь едины, а когда вы едины, вы будете обладать любовью.
Любовь — это качество Будды, или Христа, или Чжуан-цзы, вы же лишь играете с фальшивыми монетами, вы не можете любить. И чем больше вы это понимаете, тем лучше, так как тогда вас не обманут и вы не обманете других.
Если вы — единство, тогда Чжуан-цзы случится и для вас, потому что
"Когда сердце истинно, "за" и "против" забыты. Ни усилий, ни принуждений, на нужд, ни приманок нет: тогда ваши дела под контролем. Вы свободный человек".»
Бхагван Шри Раджниш. "Когда туфли не жмут. Беседы об историях Чжуан-цзы"

---

Небоскрёб

[Лаодамия]

Девочки (и мальчики, если таковые здесь есть), приглашаю вас в наше сообщество "Небоскреб". Это не интернет-сообщество, а реальное объединение реальных людей, в рамках которого мы проводим различные тренинги для развития личности, интересные мероприятия, и просто знакомимся, общаемся, получаем удовольствие Проект совсем новый, поэтому есть возможность повлиять на его развитие, высказывать свои идеи и пожелания, если захочется оказать информационную поддержку, спасибо))
Вот картинка из Небоскреба для поднятия настроения

25.01.2012 в 12:06

Пишет  Neboskreb:

@темы: Девичье, Отдых

---

[пестерева]

Здравствуйте!
В 2010 году в Россию привозили коллекцию Регионального Фонда современного искусства Бретани / FRAC Bretagne. Проект, объединивший три самостоятельные выставки на разных площадках, был назван организаторами цитатой из Жака Рансьера «Из чего делают искусство, что делает искусство».
Вопрос о том, что есть искусство, каковы его границы, вопрос о полезности искусства, об отражении реальности в произведении искусства – это вопросы вечные. Монохромная живопись, использование нестандартных техник и материалов, синтез живописи и скульптуры, инсталляция, видеоролик - важнейшие компоненты авангардного искусства двадцатого века. Препарируя живопись, стремясь добраться до ее основы, авторы двигаются разными путями, но нетрудно проследить тенденцию к называнию живописи словами, попытку пересказать живопись, вербализировать. Об этом – большая и любопытная часть экспозиции в ГЦСИ После живописи / La peinture après la peinture.
К примеру, Barry X Ball сочетает монохромную технику и слово: его работа «Сие есть кровь моя» (1990) из серии «Собрание неживописи» не может быть явно отнесена ни к живописи, ни к скульптуре. Объект состоит из плексигласового ящика с бордовым пигментом, ниже расположена пластина сусального золота, еще ниже – барельеф с подписями основных составляющих живописи: основа, пигмент, растворитель и жест, - и финальной строчкой: «Это не живопись». Можно предложить с ходу несколько трактовок замысла художника, в той или иной степени они будут верны. Тут и Магриттово «Это не трубка», тут и цитата из Евангелие в названии, поддержанная базовыми цветами иконописи, тут и прямая отсылка к названию серии. И еще ряд трактовок откроется, если просто прочитать послание художника словами: «сие есть кровь моя – основа, пигмент, растворитель, жест, - это не живопись».


Еще один «говорящий» художник – Реми Цаугг с работой «Лист бумаги II» (1986): на большом холсте автор детально пересказывает зрителю полотно Сезанна «Дом повешенного», подписывая разные участки холста. Так еще делают цветную канву для вышивания, сразу с номерами оттенков ниток. Работа Цаугга сверху покрыта слоем краски, напоминающей грунтовку, под ней слова читать сложно, и это дает зрителю сразу две мысли: о трудности раскладывания живописного полотна на составляющие, о невозможности достигнуть точности в этом, с одной стороны, и о том, что холст готов для создания шедевра, подписан и загрунтован, и на этом этапе создания Цаугг останавливается, предлагая нам состояние «до Сезанна». Похожий опыт делался Юрием Альбертом в Москве в 2001 году. Я имею в виду инсталляцию «Автопортрет с закрытыми глазами», для которой Альберт нашел в письмах Ван Гога к брату все описания его полотен, обобщил их и сделал 88 листов с текстом, набранным шрифтом Брайля. Вышел текстовый Ван Гог для слепых. Но у Цаугга сложнее, Цаугг дает зрителю двойной, или отраженный экфрасис «Дома повешенного»: сначала он пересказывает картину словами, находя почти поэтическую точность слова, потом покрывает этими словами холст, сообразуясь с законами живописи.


Томасу Хуберу на выставке посвящен самостоятельный небольшой зал, занятый двумя картинами и трехмерной композицией. Входящий видит полотно «Мастерская» (1994), цветом, расположением объектов и специфической вытянутостью форм напоминающую манеру Дали, а слева от нее картина «Без названия» (1994) – на зеленой фанере, имитирующей школьную доску, мелом и сангиной сделан детальный эскиз к «Мастерской». Т.е. сначала зритель видит завершенную работу, а потом возвращается художником на предыдущий этап – к эскизу, даже – к скелету картины. Но и это еще не конец раскладывания живописи на составные части. Трехмерная композиция «Запасник II» (1989-1993) представляет собой деревянную этажерку с подписанными емкостями разных форм, материалов и цветов, где основной интерес представляют как раз подписи: Vase («ваза» - на синей коробке), Grund («грунт»), Dämmerung («полумрак, сумерки»), fest («твердый»), Hell («свет»), Dunkel («тьма»), Bildoberflache («Поверхность картины»), feucht («влажный»), flüssig gasformig («легкий газообразный»), 34 Stuck («34 штуки») и даже просто ½ (на желтой вазе классических форм). Кажется, что Хубер тоже пытается назвать своими именами все, из чего делает искусство, заодно предлагая зрителю этот своеобразный «конструктор».


Впрямую текст встречается и в работах основателя афишизма Жака Виллегле: представленные «Бульвар де ла Виллет» (1971) и «Ренн/Монпарнас» выполнены из обрывков афиш, составленных таким образом, что сочетание визуальных образов и подписей, обрывков фраз, отдельных слов, частей слов дает новые смыслы и новые интерпретации.
Теперь то же самое, но без слов. Монохромные полотна, своеобразие материала и техники, вопрос о пользе искусства, о соотношении полезного и бесполезного – это краеугольные камни современного искусства (вопрос, правда, древний, но от того не менее актуальный). Поэтому, когда Жан-Пьер Бертран создает однотонные прямоугольники бумаги («L/Hr, S/L, Hr/S, S/Hr, Hr/S»), пропитанной солью, лимоном, медом или красной краской, то зритель, конечно, не стоит пораженный – примерно этого от современного искусства и ждешь. Но год создания – 1986 – добавляет нежную ностальгию к переживаемым эмоциям. Ностальгию усиливает Оливье Моссе с его «реверансом» в сторону первых конструктивистских произведений Родченко (серия "Гладкие доски" - "Чистый красный цвет", "Чистый желтый цвет" и "Чистый синий цвет", 1921), у Моссе это не доски, а кусочки ковриков промышленного производства («Без названия, 1991).


«Черные квадраты» Пьера Сулажа выполнены своеобразным методом: черная краска наносится на холст кистью, широкой кистью, ножом, шпателем, свет по-разному преломляется в бороздах и на гладких участках, давая иллюзию множества оттенков черного – иллюзию столь сильную, что полотно перестает восприниматься монохромным («Картина 165х120см, 6 мая 1983»).


Еще одна реплика на тему искусства прошлого в духе постмодернизма – желтый куб Клода Рюто («Крушение живописи. Определение/метод № 248» из серии «По мотивам великих мастеров», 1995). Куб не совсем куб, скорее, это комната, в глубине которой помещены два холста на подрамниках, стены и холсты выкрашены одним цветом, на стене помещаются два или более больших листа белой бумаги. В ГЦСИ композиция была монохромно-желтой, но цвет ее, размещение холстов и бумаги каждый раз художник определяет заново. Всё вместе служит новым прочтением «Плота Медузы» Жерико: один холст наклонен – это парус, другой положен – это плот, на полотне Жерико – буря, шторм, и работа живет самостоятельной жизнью, поэтому каждый раз заново и определяется положение паруса и плота. Ну и белые листы пены, неба и тканей смещаются соответственно.


Интересное сочетание новой техники и цитатности достигается в видеороликах Саркиса. Это восемь видеофильмов о том, как кисть художника повторяет пейзажи Каспара Давида Фридриха акварельными красками в плошке с водой, добиваясь если не полного сходства оттенков, то абсолютно точного воссоздания интонации немецкого романтика («По мотивам Каспара Давида Фридриха», 2006-2007).

Бертран Лавье исследует сложные взаимоотношения живописи и фотографии. Его «Пейзажная живопись и то, что за ней» (1979) – большая черно-белая фотография стандартного деревенского пейзажа, поделенная надвое (собственно фотографию и фотографию с нанесенной поверх нее масляной краской, в точности копирующей снимок) и третья, дорисованная часть композиции, как бы продолжающая фотографию. По сути, вот эта дорисованная треть – самый яркий пример симулякра во все выставке, хотя, безусловно, базовая идея философии постмодернизма так или иначе обыграна каждым представленным художником. Мы видим ясно что-то (фотографию или живопись, смотря куда смотрим), при этом мы видим то, чего нет (это не фотография. И не живопись). Мотив фотографии своеобразно решается Таней Муро. Ее работы – повторение отражений пейзажа, появляющихся на черной пленке, в которую заворачивают стога сена – потрясающие, влажные, размытые пейзажи со сложным светом («Пограничье», 2008, из всей серии в ГЦСИ одна). Надо объяснить еще раз. Стога сена заворачивают в черную пленку (я не знаю, зачем, верно, от дождя). На этой пленке отражаются пейзаж вокруг стога: небо, лес вдалеке, стерня, другие завернутые в пленку стога. Работы Муро повторяют именно отраженные пейзажи, а не те, которые видишь глазами. Создается фантастически прекрасный, волшебный мир, очень похожий на наш. Идиллический, только еще лучше. Фотопечать отражения влажной краски на алюминиевых пластинах используется Домиником Фигарелла («Как всегда», 2004).

Помимо того на выставке были представлены
- кресла Джона М. Армлендера («Без названия, 1980) – яркая иллюстрация к уальдовскому «всякое искусство совершенно бесполезно»,


- инсталляция «Зритель» (1988) Мари Бурже,
- работа Франсуа Морелле, синтезирующая живопись, архитектуру и скульптуру – три наклоненные, наполненные аргоном трубки, которые зрителю предлагается в своем воображении самому достроить до «Куба 5°-95°» (1985),


- большая разноцветная катушка Паскаля Пино («Молитвенная мельница», январь 2001) – работа из множества рядов маленьких катушек ниток, которые, по мысли художника, должны настраивать зрение зрителя, помочь зрителю навести взгляд на резкость – «все это ментальные замочные скважины, сквозь которые я призываю смотреть на мои работы».


«Маятник с оранжево-желтым пигментом. Вена. 1986» Ребекки Хорн – инсталляция, одновременно притягивающая взгляд цветом и фактурой горочки сухой желтой краски на полу, которую очень хочется рассмотреть поближе, потрогать, сунуть в нее руку, и пугающая движением острого стального шила-маятника над ней: маятник размашисто ходит от потолка до пола, потрескивает и включается, кажется, всякий раз, когда ты только собирался приблизиться. Высота маятника-шила – метров десять, и ты будешь на нем даже не как бабочка – как муравей.


Отдельный зал посвящен работам Ноэля Доля, и в нем мы можем видеть все то же разнообразие техник от живописи дымом до живописи битумом, и все тот де вопрос о природе искусства («Мгновенный дым Из серии СВ 2000 Candy. Декабрь 1998», «Малик Уссекин» 1986, «Торт Бобо» 9 марта 1995, «Перчатка для смывания живописи, перчатка для массажа, мы вам покажем» 1995, «Половая тряпка» 1995, «Hot Ice Cap n 9, автопортрет в шапке» 25 сентября 1994, «Структура-сушилка» декабрь 1967, «Корь. Жалюзи с портретом в духе Гасиоровского» 1999, «Школьная доска» 6 августа 1995).

В Цехе Белого на Винзаводе было представлено двенадцать экспонатов. Эта часть экспозиции кураторами названа Испытание реальности / L’Experience du Monde. Я могла бы предложить еще несколько вариантов перевода, например, «Испытание мира на прочность», «Опыты над миром», «Реальность, данная в опыте» или еще что-нибудь в этом духе, потому что весь зал, по сути, дает зрителю мир в ощущениях, мир, который можно потрогать руками, потрогав объекты окружающего мира. Объекты вынуты из контекста, но от того они не растеряли присущих свойств, а, напротив, сконцентрировали их в себе. Это не сложно: любой знает, что если насобирать на морском пляже камушков или купить большую раковину рапана, то дома они будут возвращать тебя к морю, восстанавливая вокруг себя звуки, вкус и запах воды и ветра. Правда, это личные ассоциации, а экспонаты выставки призваны давать мир в ощущениях любому зрителю.
Воде посвящены сразу три экспоната. «Человек из Бессин ХХ века» (1988-1995) Фабриса Ибера – один из войска его зеленых человечков. Первые шесть обнаженных андрогинных фигурок сделаны Ибером из бронзы для города Бессины и установлены в местах расположения муниципального водопровода, впоследствии автор тиражировал фигурки из зеленого пластика, оснастив их пластмассовым бассейном так, что их можно устанавливать дома, в палисаднике, в городском парке – по желанию. Зеленый человечек-фонтан истекает водой из одиннадцати естественных отверстий человеческого тела, при этом из выставленного экспоната бьет не одиннадцать, а десять струй (все, за исключением правой ноздри), и эта неожиданная заложенность носа очень трогательна – за почти двадцать лет с момента создания человечки начали жить собственной жизнью. Помимо того, скульптура вызывает ассоциации с тренажером древних акупунктурщиков – медной человеческой фигурой, наполненной водой и покрытой воском, с тайными дырочками в правильных местах, попадешь иголкой – струя воды тебе наградой. (Сам по себе человечек не понравился мне ничем, я печально думала, что очень далека от современных инсталляторов).


Видеоролик Марселя Динаэ «Ватерлинии» (2000) – произведение с гипнотическим эффектом, от которого трудно оторваться. Динаэ установил камеру на борту судна вровень или незначительно выше ватерлинии, и снимал несколько портов в разных городах. Порт в кадре постоянно качается, размывается, накреняется, кадр захлестывает вода, камера временами погружается под воду и не снимает там ничего, кроме белой мутной пелены. Вот двигается баржа, ее прекрасно видно, можно следить за ее маршрутом, наконец, волна от нее достигается судна с камерой, мир накреняется, раскачивается, взлетает, уходит под воду. Фантастическое ощущение, что видишь воду, и судна, и порт, и берег – впервые, что художник фиксирует не какое-то качество воды, а воду как идею, воду как саму суть понятия «вода», появляется у зрителя, вероятно, от непривычного глазу ракурса – сами мы никогда не смотрим на воду так, как он, мало кому приходит в голову войти в воду по глаза, так, чтобы каждая волна, любой всплеск, затопляла тебя. Картинка сопровождается естественным звуком – плеском, шумом порта, урчанием двигателей, ветром, причем звук довольно громкий, и его слышно в любой точке Цеха – к какому экспонату ни подойти, все ж слышишь, что там происходит, в порту у Динаэ. Смотреть ролик я смогла только сидя на полу – очень укачивает, вышла из этого зальчика оглушенная, шатаясь, с ощущением, что нахлебалась воды.

Третий водный экспонат занятен не столько сам по себе, сколько историей своего создания. Даниэль Споэрри, вооружившись путеводителем по Франции, объехал 117 священных источников Бретани, фотографировал их, собирал легенды о них, в деталях описывал чудодейственные свойствах воды из каждого источника, и в результате создал большой аптекарский раскладывающийся шкаф со 117 пузырьками с водой – такой вот сундук с чудесами («Бретонская аптека», 1981).


Напротив этой «живой воды» Споэрри и Динаэ – инсталляция Кристиана Болтански «Архивы» (1988). Работа состоит из тридцати жестяных ящичков (коробочек), над каждой помещена черно-белая портретная фотография ребенка школьного возраста (о том, что это именно дети или подростки, трудно догадаться самому, но можно прочитать в аннотации). На композицию можно смотреть только в целом, а сфокусироваться на конкретной фотографии нельзя: лица частью заслонены светильниками, свет при этом очень сильный и слепит, фотография при этом передержанная или просто не в фокусе, и чем больше вглядываешься в размытые лица, тем меньше видишь глаза, тем больше – глазные впадины. Смотришь и ясно понимаешь: они все умерли. Так лица мертвых всплывают со дна к поверхности воды. Аннотация к работе, правда, ни о чем таком не упоминает, замысел у автора совершенно мирный: воссоздание атмосферы детства, отчасти автобиографический, отчасти фальсифицированный экскурс в свои воспоминания… Зачем при этом жестяные коробочки? Там тайна. Личность появляется там, где ребенок начинает ограждать свои секреты, свои бусинки, монетки, камешки, булавки и запирать их в шкатулку, психоанализ начинается там, где человек пытается этот ящичек открыть. Так бывает каждый раз, когда стараешься на школьной фотографии узнать своего вполне взрослого знакомого («Каким он был? Не узнаю – будет неловко. Узнаю – а вдруг мне не понравится ребенок на фотографии?»), а потом, после этой игры, все остальные безымянные дети смотрят на тебя с фотографии: кто они, какие были, какие выросли. Зачем-то начинаешь спрашивать у знакомого: а это кто? вы общаетесь? Болтански мастерски обостряет именно этот интерес к конкретной человеческой судьбе, игнорируя метафору «жестяная коробочка = ящик Пандоры».


Тема психоанализа отыгрывается темой смерти еще раз в работе Хаима Стейнбаха «Без названия» (в другом каталоге она "Кушетка/Гроб"(1989). В его контейнере с одной стороны установлена современная кушетка в стиле Миса ван дер Роэ, с другой – этнографическое свидетельство: детский гробик со скелетом. Впрочем, работа может читаться и как противопоставление современности и памяти.
Минималистичная скульптура Мирослава Балки «2 х (216 х 35 х 65), 190 х 83 х 48» (ржавое железо, мыло, 1993) - еще одна метафора вертикальной, тянущейся снизу вверх жизни (два вертикальных желоба) и горизонтальной смерти строго по эталонной мере – по росту автора (один перпендикулярный им желоб) – работа обязательно понравится тем, кто никогда не видел скульптур Вадима Сидура.


В Цехе Белого можно было увидеть один из шести «бюстгальтеров» Вито Аккончи – выше человеческого роста, с армированным кружевом и бретельками из железного троса, оснащенный радио – «Переносной настенный бюстгальтер» (в других версиях чашки бюстгальтера обращаются в кресла, в палатку, из установленных в них динамиков слышно дыхание автора и т.п.). Внутри скульптуры можно жить или по крайней мере ночевать.


Основная идея выставки «Испытание реальности» наиболее ярко выражена в слайд-шоу Бернара Войта «Trax» (2004): на экране вы видите черно-белые фотографии Земли, сделанные из космоса, вот леса, вот горы, вот ущелья, вот океан. На аннотации к работе вы читаете, что это фотографии велюрового ковра из мастерской художника. На самом деле, гениально, как обыденность представляется космосом.


Кроме того, были выставлены «The Solar Anus» (1991) Дениса Адамса, «Кедр в Стенли-парке, №5» (1991) Родни Грэма, «Ковер мгновенного действия» (1991) Патриса Каре.

В Цехе Красного российско-французская выставка-диалог В настоящем / Au Present составлена из работ десяти художников разных поколений. Входящий натыкается на стену сложенных мешков с песком, выкрашенных антирадиационной черной краской. В стене сделан проем, и в сочетании с потолочными арками Цеха больше всего композиция похожа на Печь из русской народной сказки. А если не на Печь, то на дзот. Но это «Электрощит» Бенуа-Мари Морисо.
Потрясает двухминутный видеоролик Виктора Алимпиева «Зарницы»: в перенасыщенном светом кадре школьницы с очень серьезными, напряженными, даже злыми лицами барабанят пальцами по партам, мелко стучат по ним кулачками, через несколько секунд перед зрителем в полной темноте вспыхивают зарницы и слышен звук пулеметной стрельбы – при этом звуковые ряды светлых и темных частей ролика практически совпадают. Военно-полевая пионерская игра представлена в максимально концентрированном виде, но если не играл в нее никогда, вряд ли поймешь замысел художника. Нашла такую вот ссылку cinefantomclub.ru/?p=529 и два кадра из ролика:




Расположенное на соседней стене абстрактное полотно того же автора носит удивительно поэтичное название: «Брошенные знамена выглядят как пашня».

«Брошенные знамена выглядят как пашня 1»
2005, акрил, холст, 175 x 150


«Земля»
2006, акрил, холст, 175 x 143


Ольга Чернышева тоже предлагает вниманию зрителя ролик – это «Русский музей», в котором камера снимает залы, отраженные в вывешенных картинах, посетители музея как бы входят в картину, становятся ее персонажами – буквальная трактовка мысли «искусство – отражение жизни». На деле же искусство не только отражает жизнь, а смешивается с ней так, что уже не ясно, где что. Но покорила Ольга Чернышева не «Русским музеем», а чудесной серией из девяти акварелей «Передвижной праздник». На каждой из небольших работ мы видим сценки из жизни современного города: вот старушки стоят в ряд со своим немудрящим товаром, вот мужчины у автобусной остановки, вот во дворе замызганный грузовик… Собственно, неважно, что именно изображено на рисунках. Персонажи Чернышевой совершенно живые, в духе школы передвижников, а мир вокруг них отсутствует или едва намечен карандашом: часто акварельная фигурка маленькая, а лист вокруг нее – большой и пустой – кажется, что там будущее, или прошлое. Или вообще жизнь как таковая, неизвестная никому, кроме персонажа.
Инсталляция с человеческим лицом – «Соседи» Петра Белого – похожа на макет спального района в каком-нибудь архитектурном бюро: группа картонных домов примитивных прямоугольных форм, одноподъездные высотки, пятиэтажки, длинные девятиэтажные дома. Вместо окон – слайды в рамочках для старого проектора, рамочки большей частью серые, иногда цветные (ставят же люди цветные стеклопакеты). Иллюзия ночного вида из окна – в большинстве квартир окна темны, лишь в некоторых горит свет: слайды подсвечиваются изнутри и тогда можно разобрать, что там, в окне, неожиданно едет поезд, или автомобильный поток, или стройка. Это символы человеческих судеб и человеческой памяти. Потом что фото делаю на память, потому что слайды – это та форма фото, которая уже только в памяти, потому что в «окне квартиры» остается только вот эта картинка-слайд. Не узнать этот район, этот дом невозможно – ты сам в таком живешь.


Юрий Альберт предлагает два стенда иронической «Премии для Московской биеннале» с, собственно, положением о премии и дипломом. Из положения следует суть премии: администрация биеннале оплатит похороны лауреата, если он умрет до следующей биеннале. Премия существует на самом деле, а не только как художественный проект, учреждена в 2009 году. Ее девиз «Жизнь коротка – искусство вечно» еще раз напоминает старый тезис, что все искусство – о смерти. Интерактивный арт-объект «Московские выборы» того же автора состоит из нескольких стендов с обращенными к зрителю вопросами на тему искусства и прозрачных урн для голосования: если вы согласны, бросьте листочек в правую урну, если нет – в левую. Последний провокационный вопрос я запомнила: «Неужели вы думаете, что то, на что вы смотрите сейчас – и есть искусство?». Зная концептуальное разделение автором _современного искусства_ и _настоящего искусства_, голосовала «против».
Помимо перечисленного, в Цехе Красного выставлены абстрактная работа «Вивьен Ли» Виктора Алимпиева, «В галерее» Юрия Альберта, «Тест-арт № 15», «Тест-арт №7» и «Лимонно-зеленый Volkswagen» Паскаля Пино, три части цикла «Цветы» и инсталляция «Кость не кость» Жан-Люка Мулена, видеоролик «Let’s go Vegas, baby» Кристины Соломухи, инсталляция «Радиографик» Давида Тер-Оганьянаинсталляция «Морская башня» Никола Флока (разноцветная горизонтально обращенная Эйфелева башня из рыболовной сети).

Вопрос: Интересно?

1. да		10	(100%)
Всего:		10

@темы: современное искусство

---

Молодой человек не может выбирать. Помогите

[kukukina]

Девочки, хочу пожаловаться) У меня просто невероятно нерешительный МЧ! Нет, в плане отношений все ОК, но когда ему предстоит сделать выбор, например, между пломбиром и шоколадным мороженым, то я могу прождать вечность в магазине, пока он определится! И так со всеми покупками. Вообще-то я думала, что парням все равно, чем мыться, как расчесываться, что кушать на обед и т.п. Мой же вынесет весь мозг, пока что-то выберет. Начинает бесить…
Хочу, чтобы вы помогли мне сделать выбор за него. Сейчас ищу косметику: гель для душа, дезодорант и пену для бритья. Что можете посоветовать, чтобы раз и навсегда привязать его к одному-двум брендам и избавить от «мучений»?

@темы: Мужчины

---

Луара Оливье Дебре

[Шаманка Ингрид]

По правде говоря, к произведениям, обозначенным термином "современное искусство", я отношусь почти так же настороженно, как герои фильма "О чем говорят мужчины". Но такова, видимо, сила настоящего искусства - оно умеет проникать в душу, даже это самое подозрительное "современное".

Об Оливье Дебре я узнала благодаря поездке в Турень осенью 2011 года. Меня привлек разворот красочного путеводителя издательства "Gallimard" с цитатой Жюля Леметра о том, что "Луара - это женщина". В качестве иллюстрации на развороте были две репродукции Дебре и вот этот коллаж:

(Прошу прощения за качество изображения, в интернете коллажа не нашлось, и пришлось сканировать из того самого путеводителя).

Тогда я еще не знала, какой может быть Луара, но художника запомнила. А реку увидеть нужно, хотя бы на фото, чтобы понять, насколько Дебре удавалось передать ее характер - плавность, томность, спокойствие и величие.

увидеть и убедиться

Надо сказать, что показанный выше коллаж Дебре не сильно похож на его же живопись - скорее он послужил мне афишей, привлекающей внимание. Но тем интереснее было открывать для себя остальное.

"Ocre coule de Loire, trace rouge" (Охряное течение Луары, красный след), 1987

Оливье Дебре ( Olivier Debré ) родился в Париже в 1920 году. Его отец был известным врачом, а дед по матери - художником. Юность он провел на вилле неподалеку от Амбуаза, и навсегда сохранил любовь к пейзажам Турени и тому особенному мягкому свету, который можно найти только на берегах Луары. Королевская река то и дело появляется на его полотнах.

"GRISE LOIRE D'HIVER EN TOURAINE" (Серая Луара зимой в Турени), 1985

Дебре изучал историю искусств в Сорбонне и архитектуру в Школе Изящных Искусств. На Всемирной выставке 1937 года он впервые увидел "Гернику", а в 1941 познакомился с самим Пикассо, и эта встреча оказала на Дебре сильное влияние - он открывает для себя абстракционизм. С тех пор он пробует себя в разных техниках, но одно остается неизменным - присутствие черного цвета, цвета войны и смерти. И в послевоенное время в его работах много темных, приглушенных тонов. Это перекликается с творчеством французских авангардистов - Сержа Полякова, Никола де Сталя, Пьера Сулажа, с которыми Дебре сблизился после Освобождения.

"Le Mort et le Sourire du nazi" (Смерть и улыбка нациста), 1946

"FIGURE VERT JAUNE" (Зелено-желтая фигура), 1957-58

Nature morte, 1955

В 1959 проходит первая выставка художника в США, где он знакомится с Марком Ротко и его "живописью цветового поля". Все источники сходятся во мнении, что Ротко оказал сильное влияние на Дебре.

На новом этапе Дебре хочет сделать живопись более эмоциональной, чувственной, свободной, интуитивной. Он увеличивает размер полотен, использует необычные инструменты - нож, строительный мастерок. Он кладет холсты на пол плашмя, а когда поднимает их, то на картинах остаются следы и потеки, и это оживляет картины, делает их более насыщенными. Поздние работы Дебре, которые французы называют "лирической абстракцией", "живописью простора и света" - это целые монохромные поля.

"PETITE BLEUE-ROYAN" (Малый синий Руайян), 1965

Без названия, 1971

"Tout bleu clair tâches vives" (Светло-синий с яркими пятнами)

"Blanche de l'Acropole" (Акропольский белый)

Начиная с 60-х Оливье Дебре много путешествует по всему миру, его выставки проходят в Великобритании, США, Норвегии. В последние годы жизни он создавал декорации и эскизы костюмов для балета Каролин Карлсон "Знаки" и для Шанхайской оперы.

Именно в Шанхае фотограф Марк Девилль создал серию его портретов в процессе работы - с огромной щеткой вместо кисти.

Тем не менее, Дебре раз за разом возвращался в Турень - к спокойствию и умиротворению ее пейзажей, голубовато-серой воде, охристым песчаным островкам и мелям.

Наверное, именно поэтому я воспринимаю в первую очередь его как художника, посвятившего себя Луаре. Она не просто присутствует во множестве его картин - Луара словно бы льется сквозь них, захватывая и зрителя, пропуская его сквозь этот поток.

"Ocre orange de Loire" (Оранжевая охра Луары)

"Longue rouge carmin de Loire" (Длинный красный кармин Луары), 1986-1989

"La Loire", 1990

Художник умер в 1999 году. Его работы хранятся в музеях Парижа, Тура, Орлеана, Нанта, Страсбурга, Лиона, Монреаля, Рио-де-Жанейро, Иерусалима, Копенгагена, Осло, Лозанны, Бостона, Вашингтона, частных коллекциях.

Фото:

© C. & B. Desjeux

© J.Saillard-CEPA

© Marc Deville

Статьи об Оливье Дебре (на французском языке):

http://www.moreeuw.com/histoire-art/olivier-debre.htm

http://www.exporevue.com/magazine/fr/debre.html

http://www.museefernetbranca.fr/page000100c6.html

http://plumeblanche-encrenoire.blogspot.com/2010/07/galerie.html

http://www.applicat-prazan.com/artistes/2011/olivier-debre/

Блог Ален Трюона, в котором, кроме Дебре, есть еще много интересного

http://elogedelart.canalblog.com/tag/Olivier%20Debr%C3%A9

Вопрос: Интересно?

1. да		16	(100%)
Всего:		16

@темы: современное искусство

---

Бумажные Музы Елены Галеркиной

[i-key]

Что можно сделать из куска бумаги?
Оказывается, ВСЁ, что хочешь! Стоит только захотеть.
Если сложить ее в несколько слоев, придав форму самолетика или птички, то такая техника будет называться «оригами». Можно вырезать на бумаге узоры. Можно ее смять, а потом расправить. Можно заложить на ней ровные складки наподобие «плиссированной юбочки», гофрировать, потом наклеить один кусок на другой, а затем изрисовать его, исписать, изрезать, исчеркать, порвать, выкинуть и…тут же пожалеть об этом.
А еще бумага бывает тонкая и толстая, глянцевая и матовая, цветная, белая, пергаментная, прозрачная, как пленка, и блестящая, как фольга. Писатель видит перед собой чистый лист бумаги и выводит на нем слова. Художник берет чистый лист, хищно всматривается в него, как зодчий – в кусок мрамора, и… «отсекает все ненужное», после чего склеивает и компонует, придавая бумажной фактуре цвет, композицию, глубину и трехмерность. Казалось бы, как легко – ведь даже детишек в детском саду учат основам аппликации!
Но профессиональное волшебство, творимое художником с бумагой, называется «коллажем». Разорвать на куски, чтобы затем из обрывков сложить целое.
Художница из Петербурга Елена Галеркина творит с «простой» бумагой настоящие чудеса, и послушный материал тонко шуршит в руках мастера, проходя целую череду невероятных превращений и почти алхимических трансформаций. Подумать только: ведь это же «просто» обрывки, в котором обычный человек со средней фантазией ни-че-гошеньки не увидит!
Аппликация, коллаж, пастель, литография, линогравюра – главные методы и приёмы станковой графики, в которой работает Галеркина.
Французы со знанием дела утверждают, что только женщина способна «из ничего» создать как минимум три вещи: шляпку, салатик и скандал. Это уже похоже на своеобразный коллаж. Но только талантливый и очень неординарный ум способен разглядеть в разрозненных обрывках бумажного хлама частички будущей композиции. Бумага капризна и непостоянна, как женщина, и это - чисто женский материал: то она разлетается во все стороны от одного дуновения ветра, то вдруг ее кусочки «внезапно» отклеиваются, теряются и потом «как бы» случайно оказываются в самых неподходящих местах… Но у Елены Александровны не забалуешь: «из темноты, из ничего, из сумасбродства» у нее складываются поразительно подогнанные друг к другу кусочки паззла, видимого изначально только ей одной.
Разлететься от ветра она им не даст!
В коллаже много элементов увлекательнейшей игры «в кирпичики с мирозданием». Художник – это очень часто homo ludens, «Человек Играющий». Выбирая элементы Игры и их возможные сочетания, он вступает в свой личный диалог с культурной традицией. Начиная Игру, художник ощущает себя творцом собственной вселенной, которую создает из готовых «знаков» или «символов». Точно так же как писатель из множества привычных слов создает свой особый художественный стиль, Елена Галеркина «играючи» выбирает элементы из порой несопоставимых контекстов бытия и составляет новое целостное послание, весело шурша обрезками бумажки, как ребенок – конфетными фантиками!
Любая сознательная «состыковка» символов в пространстве тут же включает собственные «проекции» художника, и вот уже из сочетаний бумажных фигурок, силуэтов, узоров, фактуры и фона создается произведение, в котором зашифрована личность самого Мастера.
Вот, например, моя любимая «Немецкая сказка»: все фигурки кукольного дома искусно вырезаны из цветной бумаги и выдержаны в коричневых, серых и охристых тонах. Каждый элемент этой сказочной феерии хочется разглядывать до бесконечности, словно возвращаясь вновь и вновь к любимым отрывкам из «Щелкунчика»: вот готические башенки и шпили Марципанового замка, вот Фриц и Мари, а вот и Мышиный король, уже поверженный и оттого грустный. Королева Мышильда пристально наблюдает сверху за танцующими фигурками, а в центре – уже переставший быть Щелкунчиком Принц.
А круглые очки, кофейник на столе, трубка и ключик на веревочке –кому они принадлежали, интересно: Гофману, Андерсену или кому-то из братьев Гримм?
Я развлечь вас постараюсь
Старомодной пасторалью.
От немецкой сказки в детской
Веет пылью и теплом.
Кто-то их опять читает
И страницы не считает,
И незримы братья Гриммы
Проплывают за стеклом…
(В. Долина)
«Немецкая сказка»:


«Петербургский модерн» в коллаже Галеркиной как будто выстроен по классическому канону из бумажных кирпичиков: вот розовый и серый дом с колоннами тесно вклеились в лазурную синеву белой ночи; вот серо-коричневый кусочек набережной весело обегает строгую гранитную Неву, а в вазочке рядом с притихшим Сфинксом распускается причудливый лиловый букет. Узорчатые переплетения стеблей и листьев закрывают полнеба, и кажется, что это перья жар-птицы, которая снится во сне разомлевшему от летнего тепла золотогривому каменному красавцу…
Петербург – родной город Елены, и он сразу узнаваем на многих ее картинах.


Иногда сюжетом для коллажа становятся совсем обыденные и простые, на первый взгляд, вещи, как в картине «Дуэт». Но не все так просто… Картина поделена на две симметричные части, и на ней два старых деревянных стула, как два старинных друга, много повидавших на своем веку, ведут друг с другом неспешную беседу. А может, и вечный спор…

Дуэт

«Город золотой» - это лазурная звезда, качающая сказку-колыбель на фоне ночных небес. Внутри звезды можно разглядеть и прозрачные ворота, и совсем не свирепого «огнегривого Льва», резвящегося на сухой траве. «Вол, исполненный очей», заворожено глядит на Большую Медведицу, и уплывает в Вечность призрачный Золотой город с куполами, башенками, колоннами и колокольнями…
Елена Галеркина много путешествует по свету, привозя из каждого путешествия новый кусочек бумажного «паззла». Так родились «Витражи Испании», словно списанные с разноцветных круглых окон Саграда Фамилиа» : тут и горящие галеоны, и король с королевой (наверное, Фердинанд и Изабелла…), и коленопреклоненный монах, и череп, и распятие…


«Дракон»
А вот и китайский «Дракон», пятнистый змей на ярко-алом фоне, оттененный с одной стороны светлой весенней россыпью цветов, а с другой – сияющим следом от драконьего хвоста, зеленоватым росчерком на черном фоне неба. Симметрия очень важна в любом коллаже, и разделение любого кусочка «паззла» на условное «пространство» у Галеркиной неизменно уравновешивается цветовой гармонией: свет диагонально перечеркивает тень, инь не противоречит ян, прошлое перетекает в будущее, а бумажные стрелки на часах делают всю композицию удивительно «настоящей». Иногда ее коллажи похожи на обрывки сна, иногда – на яркие мгновения памяти, но ведь так и строится любое интересное повествование. Валентин Катаев однажды назвал подобное построение сюжета «улиткой пространства», когда можно начать с конца и двигаться к началу, посередине делая непредсказуемый виток. Никакой линейности - только фрагменты бытия, обрывки, произвольно (но очень умело) скомпонованные в единое целое. Это могут быть и совсем крошечные, едва заметные сюжетные линии (и, соответственно, куски бумажки), и крупные, масштабные формы, образующие логический центр композиции.
Вообще «коллажное мышление» - это явление уникальное. Искусство коллажа делает жизнь заметней, потому что в ней тоже, представьте, не бывает случайных кусков, но сочетания их могут быть абсолютно непредсказуемыми, как цветные пятна - в плетеных ковриках patchwork. Любая часть жизни, даже «унесенная ветром», - важна и самоценна. Другое дело, что всего не упомнишь и на лист не наклеишь.
Но, с другой стороны, это и хорошо, ведь у каждого – свой коллаж, и главное тут – не дать беспощадным ветрам времени выдуть из памяти драгоценные крупицы бытия. Тогда из обрывков, «из темноты, из ничего, из сумасбродства», как из забытой сказки, выйдет на свет то цельное и вечное, что несет искусство Елены Галеркиной: доброту, мудрость, теплую улыбку, любовь и глубокое проникновение в самую потаенную суть самых простых вещей.
Потому-то выставка работ Елены Галеркиной, что проходит сейчас в клубе «Открытая галерея» на Спиридоновке , называется символично: "Между вечностью и бытом".

Художник Елена Галеркина


«Снова апрель»


«Жизнь пролетающая»


«Коллекция бабочек»


«Ночная Рига»

Вопрос: Интересно?

1. да.		18	(100%)
Всего:		18

@темы: современное искусство

---

О действительно современном...

[Warmel]

Современное искусство говорите? Что ж, наверно я выпендрюсь, не буду строить из себя выходца из аристократии или ценителя высокого и не используя высокопарных слов попробую рассказать все обычным детским языком.
Для начала, что такое искусство в целом? На мой взгляд, ответ очевиден – это все то, во что мы вкладываем свой талант, душу, все, где стремимся что то донести до людей, не пытаясь «стукнуть это в лоб».
Живопись? – искусство, музыка – безусловно, литература – разумеется, но давайте будем откровенны друг с другом, где вы в последнее время видели, что бы юноша или девушка наслаждались всем этим в классическом понятии литературы, музыки и тому подобного…?
В моем понимании термин «современное» искусство, может быть использован только в отношении того, что мы творим и создаем СЕЙЧАС. Как бы не плевались любители Моцарта, но на данный момент им придется принять наличие электронной музыки, и не просто принять, а принять как искусство. Плюйтесь любители живописи, но граффити – тоже искусство… продолжать? Думаю все поняли.
Однако, поговорить мне хочется не о живописи и не о музыке, а о том, что в наше время является более… актуальным. Я хочу поговорить с вами о компьютерных играх… Да, да, именно о том самом, о чем вы сейчас подумали. Компьютер, интернет, наше население так погружено в это, что и само не замечает, как его медленно начинают подминать под себя. Люди уже сами не замечают искусства там, где оно есть. А оно между прочим должно учить, развивать, помогать и игры выполняют эту функцию, вырабатывают реакцию, память, соображалку. Разумеется, все это не может сделать один человек. Команда дизайнеров, разработчиков, сценаристов, огромный вклад сил и надежд в работу и… на выходе мы получаем то самое искусство, которое может и не так исторически ценно, как картина, но зато более популярно и востребовано на данный момент. Конечно, можно говорить, что это бред и нету смысла приравнивать прихоти подрастающего поколения с мировыми шедеврами, но суть то не в бессмысленной игре сутками, а в той огромной и кропотливой работе, вложенной в тот самый диск, или скаченный файл, который вы видите перед собой. Минус игр заключается в том, что они совмещают в себе множество и множество деталей, из которых это искусство состоит. Литература, живопись, музыка – ВСЕ есть в одном файле…. Конечно из всех правил бывают и исключения, но мне все таки хочется верить, что мы переходим в новое будущее, не в то, где все старое уничтожается как бесполезность, а в то, где мы научимся ценить не только вековые шедевры, но и работы нашего времени, те работы которые делают сейчас, при нас, которые позволяют юным нелюбителям читать узнать через игру как выглядел Онегин, позволяют прогуливающим школьникам получить хотя бы базовые знания истории и изучать древний Рим и даже побродить по нему, много всего, действительно много того полезного и нужного, что игры принесли и дали нам…
И пусть это всего лишь «поверхность», но неужели этот вид искусства не стоит того, что бы его хотя бы упомянуть?

Вопрос: Интересно?

1. да.		16	(100%)
Всего:		16

@темы: современное искусство

---

Рассуждения о современном искусстве

[Capreola]

В искусстве, как и в философии, не может быть двух одинаковых мнений. Современное искусство же столь противоречиво, несет в себе столько разрозненных идей, что кажется, разобраться в нем почти невозможно. Мне хочется отказаться от этого «почти» и поступить так, как поступают дети, свести рассуждение к двум противоречиям. Иногда я верю в то, что это единственный способ докопаться до сути.

Первую сторону представляют консерваторы. Они придерживаются мнения, что современное искусство лишено своего «созидательного» начала и стремиться не к тому, что бы его «познавали», а к тому, что бы его «потребляли». Для этого используются технические новшества, экстравагантные сочетания, дизайнерские находки. Это помогает привлечь внимание человека, заставить его включиться в процесс «восприятия искусства», хотя за внешним эпатажем часто отсутствует смысл. Это «желание к новшествам» часто отвергает глубинный смысл и не затрагивает внутренние пласты человека.

Современное искусство избирает для себя «легкие пути», вместо того, что бы пробуждать в человеке чувство прекрасного (путем воплощения сложных образов и задумок), оно вызывает в нем отвращение через показ омертвелого тела, без головы или путем сказочной деконструкции, искажая привычные для человека образы. Таким образом, оно становиться «раздражителем», зная, что негативные эмоции вызвать на много проще. Современное искусство - радикально, оно создано для того, чтобы поразить, но не восхитить.

Есть и другое мнение, совершенно противоположное, оно основано на глубинах психологии и философии и отстаивает право человека на вольную трактовку. Мир сам по себе – это сложная система, рожденная путем взаимодействия различных людей. Так рождаются ценности. Так рождается искусство. И те тенденции, которые мы сейчас наблюдаем в искусстве - это то, к чему пришла современная культура. Это дает нам возможность видеть не мир, а постигать новые миры и так продвигаться к смыслу человечества. Современное искусство работает на уровне знаков, деталей, призывает к индивидуальной интерпретации, дает свободу в поиске «смыслов», когда изначальный результат не задан и каждый может увидеть что-то свое. Это делает современное искусство сложным, обращенным к мышлению человека.

Тенденции, которые сейчас преобладают в современном искусстве объективно вызваны общественным развитием. В эпоху релятивизма нет ничего логичней, чем «бесконечный поиск собственных смыслов», но все же я придерживаюсь консервативных суждений. Для меня важно «созидательное» начало , когда искусство обращено к чувствам и в нем есть глубинный смысл, который хочется открывать, а не когда в нем содержится абстрактная совокупность смыслов, и ты из них выбираешь те, которые подходят лично тебе.

Вопрос: интересно?

1. да		11	(100%)
Всего:		11

@темы: современное искусство

---

GARAGE1361, DANDY STARS, IDEЯ FIX / 20.01, клуб "HLEB"

[M.a.d. Slip]

Концертное агентство RADAR, приглашает всех на уникальный концерт, на котором каждый получит свой заряд энергетики от потрясающего шоу! Подарки, конкурсы, феерические выходы фрик шоу!Продолжаем праздновать новый год вместе! Только самые стойкие получат специальный подарок от RADAR Production!

Встреча Вконтакте: vkontakte.ru/radar_clubhleb

Задают настроение и выступают в этот вечер:
★Группа GARAGE1361
GARAGE1361.com
vkontakte.ru/garage1361.army

★Группа DANDY STARS
www.dandystars.com
vkontakte.ru/dandystarsclub

★Группа IDEЯ FIX
vkontakte.ru/ideafixtheband

Так же GO-GO поддержка, море алкоголя и специальные неожиданные приятные сюрпризы для каждого! Не висни, бери друзей и приходи поднять своё настроение с нами!

Предпродажная цена 400р.
На день концерта цена 500р.

При покупке от 5 билетов, цена каждого билета 350р.

Билеты можно приобрести у организаторов по телефону 8-903-557-34-33, 8-963-769-16-88 или в кассе клуба HLEB, по адресу: м. Ул. 1905 года, Звенигородское шоссе, д.11

---

Зло, много зла.

[умер.радуйтесь]

Я не хочу писать об этом на конкурс. Я всего лишь пытаюсь донести свою мысль, всего лишь хочу, чтобы каждый. Каждый из Вас прочитал мой крик души, мой зов сердца, и визг истерзанного сознания. Если Вы не готовы – перестаньте читать. Прекратите немедленно. Если Вы не склонны к «второстепенному» взгляду на мир – никого не держу.
Так вот, собравшись с мыслями, я начну.
Искусство – навевает тонкий, духовный запах аристократии. Разве нет? Искусства не хочет быть живым, среди кучи чертовых дегенераток. Искусство – нечто высшее, чем просто музыка во время пьесы, выше, чем просто картина.
Современное искусство среди народа – вот самая актуальная и «больная» тема. Что толку разбирать искусство, что выше нас? Что толку следить за этим, за аристократичным искусством. Ведь каждый, каждый из всех Нас не до конца понял автора, ибо автор – венец творения, и его тараканы в голове сугубо личное, как и то, что он мог скрыть в произведении.
Музыка.
Больное, задевшее за самую тонкую нить моей души. Что эти люди делают с ней? Как попсу можно назвать искусством, черт возьми ?! Электронная музыка - плевок в искусство.
Тупое обрыглое быдло с мировыми именами не творит ровным счетом ничего, лишь смешивая в один флакон с каждой полки. Шизофрения и диктат эпилепсии массам. Как? Как это можно считать искусством, больно слышать, больно знать, что люди так думают. Хоть Гессе, Ницше и Юнг обращались совершенно к иной музыке, нежели сейчас, я согласен с ними.Музыка творит все, если с ней не промахнутся.
Разжигание и/или раскрутка ненависти и агрессии через музыку продуктивно, хоть и отдает синтетическим привкусом.Либо выплескивать свое состояние в громкость и текст, в его переживание - когда нет возможности пойти в городское сафари. Музыка – состояние души. Мелодия словно переливается по тонким струям, там, под ребрами возле сердца. Будь –то рок, тот панк – рок, что призывает к жизни, к свободе, а не то, что поют наши эстрадные звезды.
Да, Вы правы. Я действительно уверен, что я всего лишь сумасшедший.
Вы интересуетесь, что я считаю искусством современного общества?
Вот.
Модерн - это страх, это ужас от перспективы возврата в традицию.
Страх потери комфорта, страх от стыда, много-много страха и страхов.
Культурный апофеоз этого безсознательного кошмара - кинематограф и литература ужасов.
Подавляющее большинство персонажей, особенно первой половины века, - хтонические чудовища, божества- Дагон, Ктулху, антропоморфные монстры - попытки пережить и переосмыслить мифологические мотивы в новом ключе - воспитать страх, а потом и насмешку над золотым прошлым - вторая половина ХХ века.
Хочешь убить страх - сделай его смешным, так и сделали.
Теперь прошлое не кошмарно, теперь оно смешно - Крюгер, Джейсон, мутанты и маньяки - первые ласточки переосмысления маниакальности и насилия модерна, порожденных все тем же страхом.
И вот, страх архаичного преодолен, кошмары насилия модерна осмеяны, последняя ласточка смысла жизни - страх - улетела.
Смысла жизни больше нет. Постмодерн.
Постмодерн - неосознанная экзистенциальная депрессия, смысла жизни нет, ничего не страшно - все безразлично.
Садизм - право, убийство - развлечение. Эмоции стали потребляемыми, а не переживаемыми.
Что разрешено, то не интересно.
Калейдоскоп фрагментов и теней идей - попытка сконструировать, замиксовать новый смысл жизни, но его нет.
Желание вернутся возникает, но это невозможно и мы видим глубочайший упадок кинематографа ужаса и его гениев, на первом плане попытки показать натуральнее, больше количеством, достать самую грязь - но нет качества.
Редкие образчики современного кино ужаса бьют по голове, дарую переживания страха модерна.
Триер говорит - миром правит хаос, и выдает мрачные манифесты времени - "Антихрист" и "Меланхолия".
Хаос - пустота, ничего.
Ложно объявлять его полным мириадами смыслов.
Ибо...
Смысла нет.
Современное искусство утратило смысл. Слово искусство – утратило свое значение.
Я закончил.

Вопрос: интересно?

1. да.		22	(100%)
Всего:		22

@темы: современное искусство, массовая культура, искусство

---

Сергей Бугровский и его "Персоны"

[Tory Dark]

Сергей Бугровский и его "Персоны"

– Да это же я! – вглядевшись в изображение на плотной сероватой бумаге, восклицает подруга. – У меня такое выражение лица бывает, когда на улице начинается дождь, а я без зонта. Сфотографируй нас, пожалуйста!

Лена без зонта.

Для меня и сейчас остается загадкой, какие эмоции она углядела в этом угольно-черном пятне, которое 90 процентов обывателей назовут не иначе как мазней, но я прилежно щелкаю фотоаппаратом, осознавая, что зерно истины в ее словах есть. Недаром свой проект липецкий художник Сергей Бугровский назвал просто и в то же время с подтекстом: «Персоны».
Персонификация – процесс сугубо индивидуальный. И то, что далеко не все и отнюдь не все нарисованное (вернее, всех нарисованных – по сути это же портреты) поймут и прочувствуют, бесспорно. Иначе было бы скучно и неинтересно.

Около ста работ, выполненных в смешанной технике (акварель, мелки, масло, маркеры), заполняют маленький зал галереи «Искусство». Часть в альбоме, листы большого формата занимают стены и развешены на пересекающих пространство лесках. Графика соседствует со скульптурой и ассамбляжем, представляющим собой сочетание живописи с аппликацией. Эти портреты – разной степени обобщенности – способны вызвать улыбку и чувство тревоги, недоумение и скепсис, радость узнавания и желание спроецировать какой-то на реального человека. Выходит, даже если это «мазня», то свою задачу – растормошить эмоционально – она выполнила.

Кто-то рассказывает тебе о своих ощущениях от «диалога» с очередным образом, кому-то представляешь свое видение ты. А он, этот самый образ, становится для вас, ведущих диалог словесный, некоей связующей нитью, на которую постепенно нанизываются ваши эмоции и ассоциации.
Вот так персона из краски и бумаги «оживляет» восприятие персон из плоти и крови.

Фото кликабельны

Один из ключевых моментов, по задумке Сергея, – 12-минутный видеоперфоманс, на создание которого его вдохновил американец Энди Уорхолл со своим пятичасовым фильмом о спящем друге-поэте.
Устав, я опустилась в мягкое кресло перед монитором и, наблюдая за происходящим на экране, тоже… стала частью проекта.

И гораздо позже, когда приветственные слова были произнесены, зрители приглашены к просмотру, а на мягких диванчиках и стульях винтажного интерьера шли беседы за стаканчиком пряного глинтвейна, мне пришло в голову, что импровизированный просмотр можно расценить как художественную акцию по принципу матрешки: на экране показывают перфоманс, а сидящий в кресле его смотрит, и само это действо тоже перфоманс.

Мысль показалась мне интересной еще и потому, что участником спонтанной акции и одновременно частью выставки может стать любой посетитель. Достаточно просто сесть в кресло и под музыку немецкого композитора-авангардиста Карлхайнца Штокхаузена понаблюдать за тем, как на экране художник «извлекает» персону.

Персона на "Персонах" и Цветы для Венеры

Перед нами живой портрет – модель, с ног до головы обмотанная бинтом. Осторожно разрезая их, Сергей освобождает «мумию» из марлевого кокона. Но вместо живого человека на свет появляется… деревянная скульптура, сделанная пару десятков лет назад. Художник называет ее Русской Венерой.

Дети из художественной студии буквально облепили ее и засыпали художника вопросами.

Безусловно, то, что представил зрителям Бугровский, не коммерческое искусство. Тут можно поспорить, насколько вообще правомерно называть искусством деятельность, поставленную на коммерческие рельсы, но это уже совсем другой разговор. А пока я процитирую искусствоведа, преподавателя педагогического университета Андрея Ломоносова: «Мера свободы, особенно у нас в провинции, определяется степенью возможности быть самим собой». С этим точно не поспоришь.

Вопрос: Интересно?

1. Да		59	(100%)
Всего:		59

@темы: современное искусство

---

Про Путь [бредовый] Сам-О-о_По'знаний'я\Я

[1-now]

 

а мы сидели и курили

благовония. не пили

воду, и молились

как вдруг миры все раступились

и мы сами - изменились

стали пить мы, и не воду

и курить мы стали, но не Богу

благовония, а сигареты

и теперь мы молим Его - "Где Ты?"

Он смеётся. Мы ведь Дети

Нам Всё можно, чтож, давай

гитарку доставай

давай мы Так! как мы умеем

да! мы пьяные, мертвы - Мы! Смеем

Молиться в Яде - и мы Верим.

Что всё это не Важно.

Затянувшись ядом - я, отважно

Гляжу на Гору - и Свет

Снегов не'Таявших - Ответ

Мне, на Путь мой, что Суть-Бред

Но бред - в Смысл превратился

Когда я [снова] Возвратился

На Вышину, где Пить не надо

Где забывается весь Ад, но,

Это Всё не Важно

Давай открой бутылку

Разольём, и напишем мы открытку

О Том\Тем, как ждём мы всех,

На\Под Вершиной Мира, Тех,

Кто не дошёл ещё до Нас.

 

Не Ждём мы. Мы их всех встречаем - вот они, непьющие.

Им скоро Будет

Всё=равно...

 

ведь Там - Где Начинается\Кончается Од'но, Дно Мир'о'здания,

Там Кончается Иллюзия, Точнее за Сто Миль (По Сто Миль На Сто Миль По'мно'жен'на'я)

И Настоящий, Различающий - Взор

Свет Бога Встречающий - и Видящий Снег Гор.

Даётся, Навсегда.

Абсолютный Взор.

 

Пьёшь - не-Пьёшь, иль Куришь - Всё Неважно.

Покуда окончена Игра..

 

http://vkontakte.ru/wall-22987883_148